CINQUECENTO

CONTEXTO Y CARACTERÍSTICAS GENERALES:

La fama de los espectáculos refinados del Quattrocento se extendió, en Inglaterra, por elemplo, triunfarán las mascaradas, representaciones en las que el baile, la poesía, y la música deleitaban los sentidos.

Los artistas italianos serán reclamados y contratados por las diferentes cortes europeas.La partida de artistas italianos a otros países se precipitará con la crisis económica y las guerras vividas en las ciudades .
En Italia, a mediados del siglo XVI surgio una danza culta, estilizada, refinada y con la finalidad de ser contemplada como una manifestación artistica.
La danza se convierte en algo ya esencialmente teatral hasta llegar al llamado "teatro a la italiana". Todas estas características de la danza italiana del Cinquecento se exportarán al suelo francés.
Francisco I de Francia contratará para su corte francesa a numerosos artistas italianos.
Leonardo da Vinci fue el más claro ejemplo que trabajó en la corte de Valois y sentía una gran devoción hacia el libro El Cortesano de Baldassare Castiglione.
El maestro de danza en el Cinquecento será a la vez pedagogo, bailarín, creador y realizador de espectáculos.Según el espectáculo se organizarán las danzas y el vestuario.
El Cinquecento francés estará marcado por las guerras de religión (católicos contra hugonotes).
Enrique II (católico) llevó una brutal represión contra los hugonotes, tras su muerte sus hijos reinaron muy jovenes y todos murieron sin descendencia, por lo que el papel de su madre, Catalina de Medici, fue crucial.Pero tras la muerte sin descendencia de Enrique III tomó el poder la dinastía Borbón con Enrique IV.

                                                                 (Catalina de medici)


Esta situación fue debilitando el poder real y la danza, el ballet de corte se va a convertir en un medio privilegiado de divulgación política para hacer propaganda.Más tarde, en 1577 apareció un nuevo género: la pastoral dramática.
Balthasar de Beaujoyeulx realizó el ballet comique de la Reine presentado el 15 de octubre de 1581 en la sala del pequeño Borbón síntesis armoniosa y feliz de las aportaciones italianas y francesas.

Contexto y características generales QUATTROCENTO

                   
                     QUATTROCENTO 

CONTEXTO Y CARACTERÍSTICAS:

Uno de los primeros coreografos en el sentido moderno del término fue Doménico da Piacenza.
En danza, el surgimiento del maestro de danza, que pertenecerá a los círculos de los príncipes renacentistas, llevará a la profesionalización del oficio y con ello a una elevación del nivel técnico.

A lo largo del siglo XV el vocabulario de pasos no deja de crecer, tratando de hacer expresiva la danza. Los intérpretes intentan ser elegantes y refinados pero, estas danzas están todavía muy próximas a las danzas mundanas y populares.

Cada vez hubo más intervenciones coreográficas:
 En los banquetes, por ejemplo, el entremés (bailes mientras se servian los platos) como el famoso banquete del duque de Milán o la fiesta de Ludovico el Moro.

La armonía entre música y danza hizo que surgiera en Itália el "balletti" (espectáculos de baile que se interpretaban en las cortes renacentistas).
Por un lado esta la baja danza (bassedanse) descrita en los tratados de los primeros maestros italianos( Piacenza, Ebreo, Cornazzano) la encontraremos ampliamente descrita en el "Manuscrit des basses danses dit de Marie de Bourgogne" y en "lart et instruction de bien dancer de Michel Toulouze (hacia 1496)

Se utilizan 5 pasos:
 paso simple: avanzar con un pie u otro, transfiriendo el peso a cada pierna y elevando y bajando el cuerpo.
paso doble: tres pequeños pasos empezando con el pie izq. despues el der. y así sucesivamente llevando el cuerpo en ese mov. ondulante de elevación y descenso.
Reprise: paso que iba hacia atrás.
Branle: consistía en un delicado y suave balanceo de izq. a der.
Reverence: (reverencias)

Los pies de los bailarines estaban girados hacia fuera, el cuerpo recto y el torso flexible.

El zapato (poulaine) a pesar de su forma alargada permitía pisar confortablemente y realizar elevaciones, giros y otros muchos movimientos.

En Itália surgirá el Renacimiento  cuya técnica de danza es cortesana y diseñada para nobles y no para los plebeyos.

Además también existian ciertas "danzas tabú" como la morisca que podía realizar un caballero en habitaciones privadas pero no en público.

                                                                (Danzas cortesanas)

                                                                      (el balletti)

                                                                        (la morisca)

Danza en el Renacimiento

DANZA EN EL RENACIMIENTO

Cronología

Renacimiento es el nombre dado a un amplio movimiento cultural que se produjo en Europa Occidental en los siglos, XV y XVI.

Diferentes etapas históricas marcan el desarrollo del Renacimiento:

• La primera tiene como espacio cronológico todo el siglo XV, es el denominado Quattrocento, y comprende el Renacimiento temprano que se desarrolla en Italia.
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• La segunda, afecta al siglo XVI, se denomina Cinquecento, y su dominio artístico queda referido al Clasicismo o Renacimiento pleno, que se centra en el primer cuarto del siglo. En esta etapa surgen las grandes figuras del Renacimento en las artes: Leonardo, Miguel Ángel, Rafael. Es el apogeo del arte renacentista. Este periodo desemboca hacia 1520-1530 en una reacción anticlásica que conforma el Manierismo, que dura hasta el final del siglo XVI.

Mientras que en Italia se estaba desarrollando el Renacimiento, en el resto de Europa se mantiene el Gótico en sus formas tardías, situación que se va a mantener, exceptuando casos concretos, hasta comienzos del siglo XVI.

Danza

La danza fue un arte social, una forma de comunicación, pero también un símbolo de distinción que obtuvo un gran favor en las cortes más distinguidas de Europa. Por ello, los compositores, partiendo muchas veces de motivos de danzas populares, reelaboraron sus melodías y les dieron un carácter eminentemente instrumental, lo cual favoreció el desarrollo de la escritura para instrumentos; tanto fue así, que en el siglo XVII, las danzas conformaron la suite, una de las formas distintivas del Barroco.

Dado que la música de la Edad Media fue eminentemente de carácter vocal, y que las técnicas instrumentales eran todavía inmaduras en el último tercio del siglo XV, el repertorio renacentista instrumental se abasteció de la trascripción de danzas. Aunque poco a poco nacieron obras específicamente destinadas a un instrumento, la mayoría de colecciones destinadas a éstos, a los que hay que añadir el laúd y la vihuela, carecían de un repertorio propio, por lo que la recreación de danzas a tres y cuatro partes fue muy usual.
Teniendo en cuenta la función social de la danza y el auge del arte profano durante el Renacimiento, es fácil deducir la importancia que adquirieron las colecciones de danzas, numerosísimas a lo largo de todo el siglo XVI. La libertad de su instrumentación –dos flautas y dos violas, o bien una flauta, un cornetto, un  laúd y una viola, y así hasta un sinfín de combinaciones-, unida a la belleza y a una gran movilidad, las hicieron preferidas del público.

DANZAS MACABRAS

LA DANZA MACABRA

 En la actualidad, la danza macabra es considerada una de las expresiones artístico-literarias más representativas del final de la Edad Media en relación con la idea de la Muerte personificada como un esqueleto.

 La danza de la muerte constituye un género literario y figurativo muy popular en la Baja Edad Media. La idea fundamental que predomina en ella es la sátira social, promovida, con toda seguridad, por las órdenes mendicantes (Dominicos y Franciscanos), que fueron quienes defendieron de un modo más activo la contemplación de la muerte como un denominador común que unificaba a toda la humanidad, independientemente del estamento o grupo social en que se integrara el individuo.

                               (serie de vivos que bailan con muertos, emparejados e intercalándose)

 Cada imagen suele ir acompañada de textos rimados, escritos en latín o en lengua vernácula, muy fáciles de entender, en un lenguaje muy comunicativo, dentro de filacterias o didascalias. Imagen y texto constituyen dos códigos, uno iconográfico y otro literario, perfectamente integrados y complementarios. Los textos son alusivos a la fugacidad de la vida, a la brevedad de los placeres e incluyen sentencias sapienciales y refranes populares que varían según la región donde se represente la danza. Cada una de estas estrofas tenía la intención teórica de consolar a quienes lo leían con la idea de que la Muerte era la única que trataba por igual a todos los humanos, pero la lectura de las didascalias, al final, más que un consuelo, resultaba ser totalmente estremecedoras.

En principio, los muertos arrastran a los vivos, como si les sacaran a bailar, y los vivos se resisten o se quedan petrificados ante una farándula macabra de la que son, tristemente y a su pesar, protagonistas. En todo caso, vivos y muertos participan de un mismo y único baile en el que, con independencia de la edad, del estamento al que se pertenecía o de la categoría social dentro de cada una de las posibles jerarquías, el denominador común de todos los personajes es que, por el hecho de estar vivos, la muerte les lleva, siendo un tema relacionable con el tópico literario del Ubi Sunt? y la vanitas.